Afrofuturismo para cuestionar el legado poscolonial Crónica, Ficciones

La compañía The Jitta Collective presentó ‘Chombotrope’ en el marco del festival Africa Moment, una creación africano-europea multidisciplinar que nos interroga sobre las relaciones poscoloniales y la construcción de los sujetos diaspóricos.

 

Trenzando el pelo a Europa. Escena de Chombotre en África Moment’18./ ©Martin Rottenkolber

Trenzando el pelo a Europa. Escena de Chombotre en África Moment’18./ ©Martin Rottenkolber

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I am the secret queen in the middle of a lovely coloured community

Sitting in one container, sitting in a chombo (…)

is Europe a drowning world?

We are the model. We show you the way. Don’t make me angry!

[Soy la reina oculta de una encantadora comunidad de colores

Sentada en un contenedor, sentada en un Chombo (…)

¿es Europa un mundo ahogándose?

Somos el modelo. Nosotros os enseñamos el camino. ¡No me enfadéis!]

grita quien parece ser una Europa histriónica y ridícula, mientras el trenzan el pelo, ¿o son rastas?

Es uno de los personajes principales que transita en Chombotrope, un espectáculo firmado por la compañía ad hoc africano-europea The Jitta Collective, y estrenada en el Estado español como uno de los platos fuertes de la segunda edición del festival de artes africanas performativas contemporáneas Africa Moment.

Nueve días de creación multidisciplinar en torno a la creatividad y la expresión artística africana que la ciudad de Barcelona disfrutó entre el 24 de mayo y el 30 de junio. Un variado repertorio de actividades que comprendía desde talleres de danza contemporánea (para gente profesional y aficionada), proyecciones, charlas, espectáculos escénicos, música o propuestas para público familiar en un proyecto capitaneado por la coreógrafa y bailarina Aïda Colmenero Díaz y un equipo también diverso.

Como en la primera edición de 2017, Africa Moment ha prestado especial atención a las propuestas de mujeres creadoras, una constante en el trabajo individual de la propia Colmenero. Destacan el espectáculo N’zinga de la actriz española afrodescendiente Silvia Albert, la masterclass y muestra de la brasileña Ana Maíra Favacho o la presencia de la bailarina tanzana Happiness Majige, que ofreció tanto una masterclass de afrofusión como su pieza de creación de danza contemporánea vinculada al proyecto Ella Poema.

Además, en esta edición, ese hilo conductor femenino se completaba con aquel transversal de las experiencias diaspóricas de la afrodescendencia y la construcción del sujeto poscolonial y su(s) identidad(es), en actividades como el taller creación, reflexión, cuerpo, la reflexión sobre Lo político en la estética del cuerpo racializado, un encuentro en torno al racismo, o la proyección de Cantaoras: memorias de vida y muerte en Colombia, un retrato de las resistencias de las mujeres afrodescendientes a través de la memoria musical.

Esta edición, además, contaba con un espacio físico fijo en el barrio barcelonés de Poblenou, en el que degustar platos africanos, descansar, u ojear y comprar libros y otros artículos de la editorial afrocentrada Wanafrica.

Chombotrope o el gran contenedor afrofuturista

Chombotrope es un espectáculo excesivo, para ver/sentir de cerca, y permitir que ese exceso te envuelva y te desconcierte un poco. En el espacio físico de lo que aparenta una pasarela de moda de creaciones recicladas y “hazlo tú mismo” se cruza, superpone y mezcla la música en directo, el spoken word y el rap, la danza contemporánea y el vogue, que nos asaltan para interrogarnos sobre las relaciones entre África y Europa, sus metamorfosis y sobre todo, sobre su futuro.

El espectáculo mezcla la música en directo, el spoken word y el rap, la danza contemporánea y el vogue./ ©Martin Rottenkolber

El espectáculo mezcla la música en directo, el spoken word y el rap, la danza contemporánea y el vogue./ ©Martin Rottenkolber

Stephanie Thierch y Kefa Oiro, alemana ella, keniano él, son los coreógrafos de la pieza./  ©Martin Rottenkolber

The Jitta Collective está formado por artistas de distintos campos artísticos, de Europa y África./  ©Martin Rottenkolber

En swahili (lengua franca en muchos de los países de la región del este de África) chombo significa contenedor, un contenedor en el que, partiendo de una estética afrofuturista, crean una performance colaborativa entre África y Europa, para cuya creación todos los artistas trabajaron “colectivamente, como equipo, en el que durante un periodo largo de tiempo estuvimos hablando, debatiendo, intercambiando ideas, mucho más específico que el trabajo de investigación física, así que al principio se trataba sobre todo de entendernos y generar confianza”, explica Stephanie Thierch, una de sus directoras artísticas, con quien hablamos a raíz de la presentación del espectáculo.

Y es que The Jitta collective lo conforma un grupo de artistas provenientes de distintos campos artísticos; danza, música, djing, diseño de moda, voguing o artes visuales, y de diferentes partes de Europa y África. Stephanie Thierch y Kefa Oiro, alemana ella, keniano él, coreógrafos de la pieza, tienen un historial trabajando juntos. Además de conferencias y talleres conjuntos, en 2011 impulsaron la formación de una red de artistas para fomentar el intercambio y el diálogo alrededor de temas variados, frecuentemente con carga política.

Fruto de ello, en 2013 su primer trabajo conjunto, la pieza performativa Mitumbe, a happening, exploraba el lugar de África en el contexto económico global neoliberal, situando la acción en un mercado popular africano. Chombotrope parece profundizar en esta reflexión local-global, sus raíces, las relaciones de poder intrínsecas y los potenciales productos de estas. ¿Es una reflexión sobre la formación de los sujetos y cuerpos diaspóricos? Contesta Thierch: “Queríamos contribuir con reflexión y empoderamiento de los pueblos africanos, y generar un espacio para analizar y entender las dinámicas de la vida poscolonial. Todos venimos de contextos muy diferentes y tenemos visiones dispares sobre este tema, que era el objetivo, generar confianza en lugar de acusarnos mutuamente. Analizar las capas de estereotipos, ironías… y ofrecer finalmente algo más allá del análisis del statu quo actual, una propuesta de encuentro y de dejar ir”.

El espectáculo analiza con ironía la vida poscolonial y el statu quo actual./ ©Martin Rottenkolber

El espectáculo analiza con ironía la vida poscolonial y el statu quo actual./ ©Martin Rottenkolber

El eje vertebrador sobre el que trabaja es el concepto de apropiación cultural: “Teníamos diferentes perspectivas, y trabajamos, de nuevo, no solo en el colectivo sino con muchos otros artistas de diferentes disciplinas, con gente vinculada a la academia… Tratábamos de entender conceptos como la culpa o la responsabilidad. Es un campo muy amplio, y se nos ocurrió que más que analizarlo intelectualmente (lo que sí hicimos a nivel interno) queríamos crear algo que apuntara al futuro, con un tono positivo, que no pusiera sobre el escenario conceptos académicos, siendo conscientes sin embargo de su presencia en la esencia del espectáculo”. Sobre esto mismo reflexiona el diseñador de moda ugandés Xenson, también miembro del colectivo: “Con la apropiación se hace un sampleado, y cuando haces samples con algo que es tradicional, creas algo nuevo”. Y es que no deja de ser una celebración de la fusión.

Resistir desde el voguing

Uno de los elementos del espectáculo que aporta gran carga simbólica es la utilización de coreografías de vogue. El voguing es una práctica performativa que aúna la teatralidad y presencia de los desfiles de moda con distintos pasos de baile y la adopción de poses. Es una disciplina cuyo surgimiento se sitúa en el Nueva York de los años ochenta y la cultura de los ballrooms, como espacios de diversidad e inclusión y dinámicas de protección mutua, hundiendo sus raíces en la subcultura marginalizada de colectivos queer, negros y latinos del Harlem de los años veinte.

El voguing mezcla moda, danza y música, en clave de empoderamiento./ ©Martin Rottenkolber

El voguing mezcla moda, danza y música, en clave de empoderamiento./ ©Martin Rottenkolber

Mother Leo Melody aporta voguing a Chombotrope y es un referente de la escena vogue europea./ ©Martin Rottenkolber

Mother Leo Melody aporta voguing a Chombotrope y es un referente de la escena vogue europea./ ©Martin Rottenkolber

Georgina Philp, aka Mother Leo Melody, quien aporta los componentes de este estilo a Chombotrope de la mano de Marie Zoe, se ha formado durante una década entre Nueva York y la emergente escena vogue en Europa, siendo actualmente una referente en su país, Alemania, y a nivel europeo. Según nos comenta, para ella el vogue, “que parte de la imitación de las vidas glamurosas y opulentas representadas en las revistas de moda –Vogue– de los blancos, que marcaban los estándares de belleza, consigue subvertir su significado por parte de las comunidades marginadas, convirtiéndolo en algo empoderante”.

Para Stephanie era importante incorporar este elemento ya que “el voguing mezcla de una manera muy bella aspectos de moda, danza y música, subrayando el tema de las minorías diaspóricas. Es una danza de empoderamiento. El voguing es en sí mismo una apropiación para superar la opresión y exclusión a la que está sometida la gente negra. Y para las dos bailarinas negras provenientes de un contexto cultural mixto es una herramienta de empoderamiento y autoafirmación de quien son”. No en vano uno de los subidones del espectáculo es el potente intercambio de voguing de las dos bailarinas al ritmo de “Don’t touch my hair”. Toda una declaración de intenciones que reafirma aquello de que, en lo afro, lo relativo al cabello es político.    

En definitiva, Chombotrope aúna simbología colonialista, formas y sonidos tradicionales y subproductos nuevos, en una pieza que no ofrece una intención cerrada, sino una reflexión dinámica y en construcción, en medio de una multiplicidad de acciones ensordecedoras, reflejo de la rapidez, inmediatez y superficialidad de los estímulos que nos rodean cotidianamente.

Africa Moment
Pikara Magazine ha sido medio colaborador de la segunda edición de este encuentro internacional de artes escénicas del África contemporánea. Con la danza como hilo conductor, pretende generar espacios de creación y reflexión a través del cuerpo, para la dignificación, visibilización y posicionamiento de la creación africana dentro del mercado de arte contemporáneo nacional e internacional. Os animamos a seguirles en Facebook, Twitter o Instagram para recibir información sobre la próxima edición.

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Aprendedora. Feminista. Miembro del Grupo de Estudios Africanos de la Universidad Autónoma de Madrid, y editora de Africaye.org.

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